Kunst
Jeder Mensch ein Künstler? Der Mythos Beuys
Das Zitat „Jeder Mensch ist ein Künstler“ wird oft als Einladung zur Beliebigkeit missverstanden. Dabei zielte Joseph Beuys mit dieser Aussage auf eine lebenslange, disziplinierte Arbeit am eigenen Ich ab. Der Autor Edgar Diehl analysiert den Mythos Beuys und hinterfragt dessen Wirken als Lehrer und Gesellschaftsreformer.
In einem seiner Vorträge zeichnete er zur Visualisierung mit Kreide auf einer schwarzen Tafel einen Menschen in der liegenden Position als die Darstellung des Urzustandes: unreflektiert und befangen.
Ein missverstandenes Statement
„Jeder Mensch ist ein Künstler!“ Das war das bekannteste Statement, das zu Joseph Beuys’ Mission des Erweiterten Kunstbegriffs gehörte und ihn bekannt gemacht hat. Beuys hatte großen Einfluss zu dieser Zeit und war der Freund der Sammler, Museen und Kuratoren. Wenn man sich näher mit seiner Aussage befasst, zeigt sich ein anderes Bild. In einem seiner Vorträge zeichnete er zur Visualisierung mit Kreide auf einer schwarzen Tafel einen Menschen in der liegenden Position als die Darstellung des Urzustandes: unreflektiert und befangen. Sobald er sich dessen bewusst wird, setzt er sich auf. Wenn er nun aufsteht und damit beginnt, das, was in Religionen und Philosophien gefordert wird, nämlich an sich zu arbeiten, seine Begabungen zu entwickeln, autonom zu werden und fortwährend zu lernen, dann ist er dem Künstler ebenbürtig.
So wie ein Bildhauer mit dem Meißel aus dem Stein die Figur herausschält, formt der Mensch sein zukünftiges Ich. Das Bild passt, weil es eine langsame Arbeit ist, und weil es Werkzeuge, Kenntnisse, Kraft und Durchhaltevermögen voraussetzt. Das ist es, was Beuys eigentlich gemeint hat, als er sagte, jeder Mensch sei ein Künstler. Das Gegenteil dessen, was landläufig mit diesem berühmten Satz verbunden wird. Wenn jeder Mensch ein Künstler sei, wäre dann alles, was sie oder er macht, auch Kunst? So wurden die Worte damals von vielen interpretiert. Der Begriff wäre damit ausgelöscht.
Beuys als Marke
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Beuys war ein Marketing-Genie. Er hat sich selbst zur Marke Jahrhundertkünstler gemacht. Mit medienwirksamen Aktionen in Konfrontation mit der Institution Akademie, durch die unorthodoxe Wahl seiner bildnerischen Mittel und durch die Bekräftigung des Künstlers als Schamane. Zahllose Kunstschaffende ließen sich davon inspirieren, den Beruf zu ergreifen. Der klassischen Forderung, dass die bildnerische Arbeit auf die Beherrschung des Handwerks aufbauen soll, hat er seinen Begriff der Sozialen Plastik entgegengesetzt. Die Denkweise und Kreativität von Künstlern in den sozialen und politischen Prozess einzubringen, und das als originär künstlerische Arbeit zu greifen, ist sein hoher Verdienst. Das Projekt Künstlerverein Walkmühle e.V. in Wiesbaden ist ein gelungenes Beispiel der Sozialen Plastik!
Konflikte in der Lehre
Die Arbeit von Beuys als Reformer hing von seinem Drang nach Selbstdarstellung und seiner Position als Professor der Düsseldorfer Akademie ab. Im Interview mit Willoughby Sharp sagte Beuys 1969: „To be a teacher is my work of art. The test is waste product, a demonstration.“ Ende 1968 wurde es eng. Seine Gründung der deutschen Studenten-Partei und die damit verbundenen Aktivitäten trafen nicht auf Gegenliebe. Es kam eine allgemeine Diskussion in Gang, in der es über die Ausbildung und die Rolle von Kunst in der Gesellschaft ging, die weite Kreise zog.
Prof. Karl Bobek sprach in einem Misstrauenspapier von einer „gesinnungswütigen Mentalität und Fantasie mit quasi faschistischer Latenz“. Er unterstellte Beuys zudem „ästhetisierendes Geschwätz von der Revolution“, das echte gesellschaftliche Reformen eher verhindere.
Der Aufstieg zum Mythos
Die Kunsthistorikerin Barbara Lange schildert, wie der Mythos vom Künstler als Gesellschaftsreformer entstand. 1967 trat Beuys mit Aplomb in den internationalen Kunstmarkt ein, als das Städtische Museum Mönchengladbach sein Œuvre präsentierte und der Sammler Karl Ströher alle Objekte erwarb. Damit signalisierte er, dass Beuys’ Werk denselben Rang verdiene wie die international renommierten Künstler der Pop Art. Wie aber war seine Arbeit als Professor? Gislind Nabakowski erinnert sich an Korrekturgespräche, in denen Studierende „runter geputzt“ wurden, wenn die Arbeiten nicht gefielen. So wurde nur eine einzige Grundkonzeption zugelassen. Dem stellt der Autor die eigene Erfahrung mit Raimer Jochims am Städel gegenüber, wo eine Dialogkultur und echte Bildanalyse im Vordergrund standen.
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Autor:in
Edgar Diehl
